Imagen estética-subjetiva artística. La pintura en Léger.

Fernand Léger (1881- 1955) Pintor francés. Se inició en el impresionismo pero inmediatamente después emprendió pronto una obra personalísima, cuya principal preocupación fue la búsqueda de un nuevo ritmo mediante la oposición de las formas y el contraste de los tonos. A partir de 1913, volcado de lleno en la abstracción, desarrolló una concepción dinámica de la pintura basada en la intensidad de contrastes y de colores (series de Contrastes de formas). Después de la guerra, adoptó el figurativismo, sin modificar por ello su estilo, y relacionó en sus cuadros imágenes muy esquemáticas, de la vida real o soñada, con otras de la vida cultura). A partir de este último año, se dedicó a plasmar escenas de interior con figuras, vistas urbanas y naturalezas muertas.

En 1924 fundó un taller libre junto con Ozenfant y encaminó su actividad hacia nuevos horizontes: decorados para teatro y cine, murales, mosaicos, vidrieras, cerámica y esculturas policromas. Poco a poco, su pintura fue evolucionando hacia un realismo más acentuado, que, en ocasiones, estaba caracterizado por el tratamiento de la figura humana en grupo y el dibujo preciso y bien delimitado.

Su exilio en EE UU (1940-1950) reafirmó su interés por la vida moderna y por el estudio del movimiento de las figuras en el espacio, que cada día puso más de manifiesto en sus obras. Las composiciones figurativas que siguieron presentan disociaciones entre la línea y el color y desarrollan temas de la vida popular (ocio y trabajo): series de los Ciclistas, de los Constructores y de las Giras campestres. En 1954 concluyó La gran parada, síntesis de su arte.

Léger constituye, según muchos historiadores del arte, el antecedente directo y precursor del pop-art y del neorrealismo. En 1960 fue inaugurado en Biot (Alpes Maritimes) el museo Fernand Léger, convertido en museo nacional en 1967. Sus principales escritos se encuentran recogidos en el volumen Fonctions de la peinture, 1965.

El trabajo de Frank Gaudlitz, una breve descripción.

La obra de Frank Gaudlitz netamente fotográfica, se puede decir que entra en la rama del arte contemporáneo, es realizada en papel fotográfico, muy simple, pero contrasta perfectamente con el medio que rodea a los retratos, la posición y la indumentaria de las personas que constan en la foto reflejan la realidad de cada uno.

Frank Gaudlitz: La fotografía en el contexto latinoamericano.

Frank Gaudlitz, es un fotógrafo alemán, nació en 1958 en un pueblo cerca de Brandenburgo. En Berlín realizó sus estudios de Pedagogía y Fotografía. La idea de Gaudlitz es exponer imágenes que jueguen con la idea de un pasado que mantiene su huella en el presente. Es así que cada una de ellas ha sido trabajada en blanco y negro con el fin de “permitir una abstracción que ayude en la construcción de un puente entre el pasado recorrido por Humboldt y la actualidad capturada en la fotografía”, como comenta su autor.

En 2005, crea la muestra “Cruz del sur”, ese tiempo varios de los países latinoamericanos iniciaban procesos profundos de cambios sociales, temática que siempre le interesó. Y siempre se ha definido como un fotógrafo de las acciones sociales. Ya sea en Rusia o en Bolivia, su cámara captura a las personas en una sociedad de cambio, pero manteniendo su rutina.

La Paz, Bolivia 2005 - Parte de la muestra “CRUZ DEL SUR”

Posteriormente, empezó una investigación que le llevó año y medio de escudriñar en libros para decidirse a recorrer, la ruta que aproximadamente 200 años atrás Alexander von Humboldt realizó por América Latina. Él propone un rescate de lo que denomina ‘La Ruta del Sol’, que en 2010 constituyó una muestra de 76 fotografías captadas en este viaje humboldtiano localizado específicamente en la ruta Colombia-Ecuador-Perú, por el lente de su cámara y su espectacular punto de vista. Rescata su obra en tanto paisaje y retrato.

En paisaje, conformado por 26 fotografías, la idea de Gaudlitz es exponer imágenes que jueguen con la idea de un pasado que mantiene su huella en el presente. Es así que cada una de ellas ha sido trabajada en blanco y negro con el fin de “permitir una abstracción que ayude en la construcción de un puente entre el pasado recorrido por Humboldt y la actualidad capturada en la fotografía”, como comenta su autor.

En cuanto a retrato, Gaudlitz apuesta más por la actualidad, aunque sin darle primacía a imágenes más contemporáneas; con 50 fotografías reconstruye ambientes que parecen detenidos en el tiempo, con un aire costumbrista. Ahí está, por ejemplo, la foto del niño que juega a ser torero. Él, posando frente a la cámara, se muestra a él y a su casa hecha de paredes de adobe.

La caricatura. Eisner y la novela gráfica.

William Erwin Eisner nació en New York en 1917 y murió en 2005. Desde muy pequeño se vinculo al trabajo sobre los comics, tan popularizados en Estados unidos de los años 20. Durante aquellos tiempos, Eisner produjo un elevado número de series. Su primer trabajo en el mundo del cómic apareció publicado en 1936 en la revista 'WOW What a Magazine!', para la que creó los personajes Harry Karry y The Flame. Poco después, Eisner se alió con su amigo Jerry Iger para crear el estudio Eisner-Iger, que se convirtió en una auténtica fábrica de cómics, con el objetivo de colocar tiras de diversos cómicos en los periódicos estadounidenses.

El estudio, antes de su cierre en 1939, dio trabajo a varios artistas que después se convertirían en leyendas, como Bob Kane (creador de Batman) y Jack Kirby (co-creador de Los Cuatro Fantásticos, X-Men y Hulk). Tras la experiencia del estudio, Eisner se unió a Quality Comics, para quien creó su personaje más carismático y significativo, Denny Colt, 'The Spirit', un detective enmascarado responsable de proteger la ciudad de Central City --especialmente a las chicas jóvenes y guapas-- de los criminales con la ayuda de sus puños, su ingenio, y su inédita capacidad para encajar golpes.

The Spirit supuso uno de las obras más innovadoras del género, gracias a su ingenioso uso de los ángulos de cámara, a unos efectos de iluminación muy logrados y a la introducción de técnicas narrativas inéditas hasta la época.

El trabajo de Eisner se interrumpió en 1942, cuando fue alistado en el Ejército para servir en la Segunda Guerra Mundial. Su trabajo en las Fuerzas Armadas consistió principalmente en dibujar pósters, ilustraciones y tiras cómicas para las tropas. Tras esto regresó al personaje, que perpetuó hasta 1952, siempre negándose a arrinconarse en el género de aventuras y utilizando a The Spirit como excusa para tratar todo tipo de temas, desde la temática social hasta la Ciencia Ficción.

Posteriormente, en los años 60 volvió a crear algunos cómics del personaje, pero a pesar de la insistencia de los aficionados, nunca le gustó insistir en revisar al héroe de su juventud. En cambio, su amor por lo que él siempre denominó 'arte secuencial' le llevó a desarrollar una serie de historias cortas que terminaron por convertirse en 'Contrato con Dios' (Norma Cómics), publicada por Baronet Books en 1978, en la que regresó a su juventud y utilizó todas sus experiencias en el Bronx para crear una serie de historia que abrieron todo un nuevo campo de posibilidades al cómic.

Después de 'Contrato con Dios', Eisner continuó con una serie de novelas gráficas publicadas por la editorial alternativa Kitchen Sink Press que oscilaban entre las historias semi-autobiográficas ('El Soñador', 'Viaje al Corazón de la Tormenta'), las observaciones sobre la vida cotidiana ('El Edificio') o la ciencia ficción ('Vida en Otro Planeta'), contribuyendo a alejar el cómic del ghetto de los superhéroes y las tiras humorísticas y abriendo camino a numerosos artistas.

Imagen narrativa: Cuento y microrrelato.

Una imagen adquiere un valor narrativo al contarse implícita o explícitamente un suceso, cuando éste se cuenta a través de una imagen. El hombre en la búsqueda por la explicación de su existencia ha narrado historias de cómo son las cosas y el hombre en el mundo, por medio de la oralidad, la pintura, la escultura, la fotografía, el cómic, el cine, la radio, la escritura, etc. Para encontrar un sentido y un legado para la posteridad. La principal propiedad de la imagen narrativa es la narratividad, es decir relatar historias de la imagen.

El cuento se adscribe a la imagen narrativa, Vladimir Propp, un etnólogo ruso, se ha dedicado a investigar las coincidencias de los cuentos a través de una morfología del cuento maravilloso. En su “Morfología del cuento” Propp, fundamenta el análisis histórico de los cuentos y llega a la conclusión de que los cuentos son reflejo, históricamente localizable, de concepciones místicas anteriores. Propone la existencia de una relación sistematizada de las acciones que podemos encontrar en las narraciones de transmisión oral, tanto las que derivan de una tradición popular, como las que vienen de una tradición culta. La morfología del cuento, según Propp, es la descripción de los cuentos según sus partes constitutivas y las relaciones de estas entre ellas y el conjunto.

Por otro lado, en la imagen narrativa podemos reconocer el microrrelato, que es una construcción literaria narrativa distinta de la novela o el cuento. Es la denominación más usada para un conjunto de obras diversas cuya principal característica es la brevedad de su contenido. El microrrelato también es llamado microcuento, minificción, microficción, cuento brevísimo, minicuento, etcétera.

Paco era un tipo común y corriente, que un día empezó a sentirse diferente. Sentía que estaba rodeado de gente, a la que fácilmente podía echar diente. Tras su ropaje, él a diario entiende que representa una amenaza hiriente. Paco acude finalmente, a la consulta de un psiquiatra maloliente, que le ayude a no odiar a la gente.

Imagen escrita o poética.

Posee una dimensión ecológica, es decir acontece en condiciones históricas y sociales, en vínculos especiales con corrientes del pensamiento, con tendencias estéticas y prácticas culturales, todas posibles de ser leídas a través de su propio cuerpo visible. Sin embargo, esta lectura requiere de condiciones de verdad contingentes o situacionales, que hagan de la imagen una construcción convincente, al interior de la obra poética, no en ningún otro lugar.

Juegos Subrealistas

1) –FRASES POETICAS-Tres grupos de personas, cada uno piensa en sujeto, verbo y predicado, después se unen al azar y se forman frases poéticas.

SUJETO/VERBO/PREDICADO

La Garza/diluye/su pie en el agua.

La niña/cacarea/un cuento.

El gallo/vuela/en la playa.

La golondrina/escribe/con un lápiz.

2) –PREGUNTAS BALANZAS- grupos de personas, cada uno piensa respuestas a preguntas de que es la naturaleza.

¿Qué es la niebla? Varios espectros danzando al ritmo de la noche.

¿Qué es arcoíris? Un millón de caramelos de colores que en el aire se forman en un arco.

3) -CADÁVERES EXQUISITOS- en una hoja se escribe dos frases, luego se dobla la hoja dejando visible la segunda frase, después se pasa a otro compañero para que repita el proceso hasta que todos los demás compañeros del grupo hayan escrito. Se abre la hoja y se lee todo, dando un ritmo a la lectura y se podrá apreciar casi un posible poema. Todo con la creatividad e imaginación.

Tu sonrisa es una blanca inspiración.

Si la muerte no desnuda mi sepulcro.

Iluminando el cielo de tus días.